[Изостудия "Топ-топ Арт" ]
Главная » Статьи » История искусств

Жанр натюрморта. Статья из журнала "Художник", 1/1980

Жанр натюрморта

Автор статьи М. Левидова

Вот предмет, который требуется изобразить. Чтобы передать его со всей правильностью, мне нужно забыть все, что я видел, и даже ту манеру, в которой тот же предмет передавался другими... 
Шарден

Е. Малеина. Клубника и черешня. Х.,м. 1967

«Натюрморт» в буквальном переводе означает «мертвая натура». Но перевод термина далеко не однозначен с подлинным содержанием этого жанра. Натюрморт, как его понимают художники, — это не просто изображение группы предметов, например, вазы с цветами или молотка на верстаке, а жанр, имеющий свои традиции, свои законы, свои классические образцы. Художники различных эпох, направлений создавали и создают картины, содержание которых раскрывается через мир вещей, предметов быта. Нет ни одного музея, ни одной современной выставки, на которой не был бы представлен жанр натюрморта. О натюрморте, его истории и стиле написано немало книг. 

О. Леонова. Груша цветет. Х., м.


Чем же привлекает художников такая простая, на первый взгляд, натура? Какой смысл находят они в изображении кувшинов, кофейников, домашней утвари и других обыденных предметов? Разве нет более значительных тем? Некоторые начинающие художники полагают, что натюрморт полезен лишь как упражнение, как учебное задание при обучении рисунку и живописи. Безусловно, натюрморт может быть первоначальным этапом в занятиях, но у него есть и собственная художественная цель. Работа над постановкой группы предметов развивает умение композиционно организовать натуру, цельно передать ее видимые качества. Все это важно для ученика. Но не только в этом значение натюрморта как для начинающего, так и для опытного мастера. Разве мир вещей не отражает эпоху, характер человека, разве мы не угадываем в них стиль жизни, чувство, настроение, вкус, привязанности, особенности быта?

Н. Удальцова. Лук в миске. 1942. Собственность семьи художника.

Подлинный смысл натюрморта, если он написан настоящим мастером, состоит и в философском раздумье о жизни, и в историческом рассказе о быте и труде человека, и прежде всего в эстетическом познании действительности часто именно в натюрморте художник находит форму выражения своего отношения к событиям современности. Вспомним, например, известный натюрморт К. Петрова-Водкина «Селедка», написанный в 1918 году. Художник изобразил удивительно привычные, «прозаические» вещи, но они приобретали особую значимость в сложных реальных условиях быта первых послереволюционных лет. 
Работа над натюрмортом не исчерпывается передачей внешнего вида вещей. Каждый мастер по-своему рассказывает об одних и тех же предметах, выявляя в них те характерные качества, которые кажутся ему главными и существенными. Поэтому натюрморт трудно пересказать: можно перечислить, что именно изображено, но это еще не даст представления о его содержании. Нужно увидеть особенности композиции, пластического решения форм, гармонию цвета, даже характер мазка, то есть своеобразие выразительных средств, благодаря которым и создается определенный зрительный образ. 

А. Никич. Завтрак. Х., м. 1965.


Натюрморт как самостоятельный жанр возник во Фландрии и Голландии в конце XVI и начале XVII веков. Конечно, изображения предметов быта мы находим и в более ранних картинах, где кувшины, подсвечники, книги, цветы дополняют обстановку, являясь лишь деталью целого. С развитием бытового жанра в живописи с его стремлением запечатлеть обыденные и характерные сцены повседневной жизни возникает и новое отношение к вещам, окружающим человека. Они становятся необходимой частью композиции картины. 
В изображении рынков и лавок, сельских праздников и свадеб, домашних сцен и трудовых будней уже нельзя было обойтись без натюрморта, Обратившись к жанровым сценам и бытовым предметам, художники научились ценить живые натурные впечатления. И поэтому натюрморты ые композиции из плодов, домашней утвари, разнообразной снеди становятся естественными участниками пейзажных и жанровых картин. 

И. Машков. Снедь московская. Хлебы. Х., м. 1924. Гос. Третьяковская галерея.


В XVIII веке в искусстве фламандских и голландских художников натюрморт получает особое, самостоятельное значение. Для фламандских мастеров характерны большие композиции, .на которых изображаются мясные, фруктовые, рыбные лавки с грудами дичи, мясными тушами, плодами и самыми разнообразными дарами природы. Знаменитые полотна Снайдерса, Иорданса, написанные яркими и контрастными красками, представляют собой настоящее «пиршество жизни». Как будто сама природа опрокинула на их полотна свой «рог изобилия». 
В голландском натюрморте иные особенности. Здесь по преимуществу преобладает камерный, интимный стиль. И каждый город с его определенным укладом жизни сообщает особый отпечаток сюжету. 
Голландский художник углубленно созерцает натуру, преображая простые вещи в художественные ценности. Расположение предметов, подбор красок и освещения решается таким образом, чтобы совокупность вещей производила впечатление единства. Здесь преобладают более спокойные по сравнению с фламандской живописью соотношения цвета. Свет нежно обволакивает каждый предмет, проникает в каждый уголок, выявляет красоту фактуры стекла, металла, кожицы плодов, мягкость складок ткани. Голландский натюрморт — это «тихая жизнь вещей», с которой незаметно, но глубоко связана жизнь человека. Живописными «новеллами» можно назвать натюрморты Виллема Класа, Хеды, Виллема Кальфа, Питера Класа и ряда других замечательных мастеров голландского искусства. 
Голландский натюрморт оказал определенное влияние на ранние работы французского художника XVIII века Жан-Батиста Шардена. Многие годы Шарден учился своему искусству, экспериментировал, искал свой, «шарденовский» стиль, который впоследствии принес ему славу замечательного мастера натюрморта. По свидетельству современников, Шарден писал свои полотна целиком с натуры. Он подолгу составлял композиции из выбранных предметов, прежде чем взяться за кисть. Поэтому каждая луковка или орешек в его картине «на своем месте». Композиции шарденовских натюрмортов очень разнообразны. Он располагает предметы по горизонтали и по диагонали, сдвигает их в плотную группу или «рассеивает» в пространстве картинной плоскости, смело переносит центр тяжести влево либо вправо. И в каждом случае создается впечатление, что иное решение, другое расположение предметов на поверхности холста немыслимо: ничего нельзя ни прибавить, ни убавить. В этом точность и художественная убедительность шарденовских постановок. 
Трепетность живописи Шардена с ее неуловимыми цветовыми переходами, которые создают ощущение света и воздуха, передает и отношение художника к натуре. Он как бы одушевляет вещи, они для него «своеобразные живые существа, от них тянутся тысячи нитей к человеку, они созданы для человека и они согреты его близостью»(1). Поэтому натюрморты Шардена не устаревают. Мастерство художника заражает нас своей тонкой одухотворенностью, человечностью. 
В начале XVIII века самостоятельный жанр натюрморта появляется и в русском искусстве. Одним из первых (нам известных) русских мастеров натюрморта был художник Г. Теплов.

Г. Теплов. Натюрморт с попугаем. Х., м. 1737. Гос. музей керамики "Усадьба Кусково XVIII в."

Композиция его .«Натюрморта с попугаем» проста и оригинальна. На плоскости холста изображена деревянная доска, на фоне которой размещены предметы. Все выписано почти иллюзорно, и вещи будто приближены к зрителю. Искусный, но наивный натурализм таких натюрмортов дал основание называть их «обманками» (обман зрения). И все же Теплов не просто механически копирует предметы, он стремится показать вещи как ценный объект искусства, любуется ими, любит их, и в этом секрет художественного воздействия его произведений. В эпоху Петра в русский быт вошло много нового: новые порядки, новые, непривычные вещи, которые становятся уже необходимыми в повседневном обиходе. Обратите внимание на подбор предметов в натюрморте Теплова: книги, ноты, заморский попугай, часы и тут же — старый гребешок, надорванный конверт, щетка. Вещи новой культуры смешиваются с привычными и будничными спутниками человека, В этом историческая достоверность натюрморта. Вся композиция картины хорошо продумана художником. Тяжелая по количеству изображаемых предметов верхняя часть и более облегченная нижняя удачно уравновешиваются и объединяются средней вертикалью, которую образует картинка вместе с часами; даже такие «случайности», как два рельефно выписанные сучка, расположенные по диагонали, зрительно как бы соединяют предметы. Посмотрите, как поразному повернуты вещи, заложенные за тесемку, как чередуются книги и свернутые рулоном ноты на верхней полочке, как небрежно свешиваются листы нотного альбома, загораживая часть рамки. Такое разнообразие направлений форм придает всей композиции ритмическую выразительность. Во второй половине XIX века русские художники сравнительно редко обращаются к натюрморту как к самостоятельному жанру. Изображение предметов главным образом связано с общественным и личным бытием человека и с интерьером. 
В западноевропейском искусстве второй половины XIX века натюрморт занимает большое место в творчестве таких выдающихся художников, как ВанГог, Гоген, Сезанн, а в дальнейшем Матисс, Пикассо. Знаменитые ван-гоговские башмаки, подсолнечники, стульяэто «портреты» вещей, остро-характерные, индивидуальные. Как выразительна эта пара простых башмаков. Они послужили своему хозяину и когда-то, крепко сшитые, надежно подбитые гвоздями, были верными его помощниками, а теперь, состарившись, вызывают чувство жалости и благодарности... 
В натюрморте «Подсолнечники» цветы, по словам художника, должны представлять собой «нечто вроде факелов». Весь букет как бы вырывается из тяжелого глиняного кувшина и, действительно, напоминает пламя с извивающимися язычками лепестков. Как не похожи эти буйные в своем ритмическом движении подсолнечники, эта экспрессивная гамма ярко-желтых, охристых, оранжевых, коричневых красок на парадные букеты официальных салонов, написанные равнодушной кистью модных ремесленников. Ван-Гог наполняет предметы неодушевленного мира собственным волнением, стремится выразить свое тревожное чувство, идущее изнутри, с максимальным напряжением. «То, чем полны моя голова и сердце, должно вылиться в форму рисунка или картины» (2). В Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина и в Эрмитаже находится большая коллекция картин и рисунков Матисса, среди которых много натюрмортов. В них раскрываются закономерности творческого пути художника. Как не похожи его ранние натюрморты, которые написаны в духе старых мастеров темными красками со светотеневой лепкой форм, на звучные, яркие полотна последующего периода, когда палитра его очищается от черноты под воздействием живописи импрессионистов, Сезанна и других выдающихся художников. Большое значение имело для Матисса его пребывание на Востоке (в частности, в Марокко), где его особенно заинтересовало местное декоративно-прикладное искусство. Характерные черты восточных росписей, ковров, тканей, посуды — декоративные контрасты цвета, плоскостные силуэты форм, узорчатость и обобщенность-получили очень выразительную интерпретацию в живописи Матисса. Иногда начинающие художники, не затрудняя себя внимательным разбором живописи Матисса, скользят по его натюрмортам и другим полотнам как бы поверхностным взглядом. Поэтому часто не замечают его искусства композиции, «сложную простоту» живописи, очищенную от случайных деталей и подробностей моделировки форм, но несущую чувство, тонкое настроение, глубокое понимание натуры. 
В русском искусстве подлинный расцвет жанра натюрморта пришелся на ХХ век. Многие русские и советские художники обратились к натюрморту в своем стремлении выразить новую эпоху, расширить возможности изобразительного языка в поисках образных форм действительности. В истории русского и советского натюрморта есть своя классика — произведения К. Коровина, П. Кончаловского, И. Машкова, К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, И.Грабаря, П. Кузнецова, Р. Фалька, Ю. Пименова. Разные темы повседневной действительности находят свое воплощение в натюрмортах художников молодого поколения. Натюрморт ХХ века разнообразен и богат. Мы рассмотрим лишь некоторые произведения, разные по подходу к творческой задаче, по характеру формы выполнения. 
Широко известен ранний натюрморт И. Грабаря «Неприбранный стол», который находится в Третьяковской галерее. В противовес распространенным схемам в расположении вещей вся композиция построена здесь на том, что она как бы «случайно» увидена художником. Красота повседневного раскрывается не в парадно расставленной посуде и вазах с цветами, а в преднамеренном «беспорядке» неприбранного после трапезы стола. В размещении предметов художник преследовал цель сохранить непринужденность, жизненную естественность сюжета. Это не просто, как может показаться на первый взгляд, — вся композиция в целом строго продумана. В этот период своего творчества Грабарь был близок к импрессионистическим приемам живописи. Картина написана небольшими, разнообразными по цветовым оттенкам мазками, которые хорошо передают свето-воздушную среду, окутывающую предметы, тончайшую игру бликов и легкую прозрачность теней. «Неприбранный стол» может служить одним из примеров «пейзажного» подхода к натюрморту, то есть картина как бы соединяет в себе оба эти жанра. 
Натюрморты И. Машкова «Московская снедь. Хлебы» и «Фрукты на блюде» также экспонируются в залах Третьяковской галереи. Обе постановки откровенно нарочиты. И это не случайно. «Московская снедь» воспринимается как гимн изобилию и напоминает нарядную витрину. Каждый хлеб, крендель или булка расположены так, чтобы зритель мог хорошо их разглядеть. При кажущемся нагромождении предметов вся группа организована очень целостно. Трудно что-либо убрать или прибавить. Плотная живопись с преобладанием теплых цветов, энергичная лепка всех форм убедительно выражают общий замысел художника — придать своему натюрморту характер праздничности. 
Для каждого конкретного случая закономерны разные, как бы противоположные принципы подхода к постановке натюрморта — жизненная непринужденность и условная искусственность. Рецептов, которые бы служили единственным основанием композиционных решений, нет, как вообще нет рецептов для творчества. Попытка начинающих художников работать по готовым, примелькавшимся схемам приводит лишь к банальности, к стандарту. А это, как известно, не способствует образному воздействию произведения. 
Посмотрите, как необычен натюрморт К. Петрова-Водкина «Зеркало и чернильница». Обычные бытовые вещи объединены здесь не столько смысловым содержанием, сколько внутренне организованным сочетанием всех форм и их направлений в пространстве. Мы видим предметы сверху, в разных ракурсах. Вертикальная ось смещена относительно боковых краев рамы. Ритмическая острота контрастов направлений линий, границ форм предметов придает композиции особое состояние движения и напряженности. Сравнительно ограниченная цветовая гамма звучит здесь как ясный и чистый аккорд. И простые предметы, изображенные очень конкретно, воспринимаются как бы выше их будничной сущности, они становятся символами вещей во времени и пространстве. 
«В мастерской художника» — называется серия произведений А. Никича, которая включает портреты и натюрморты. Подрамники, палитры, этюдники, репродукции любимых картин, тюбики красок, кисти, ткани — верные орудия ремесла художника — выступают героями его полотен. Это рассказы о ежедневной рабочей атмосфере мастерской, о буднях и поэзии труда. Одна из работ этой серии — натюрморт «Завтрак». На картине изображен кусочек интерьера мастерской и завтрак, приготовленный, как говорят, «на скорую руку». И мы чувствуем присутствие хозяина: завтрак уже на столе, и работа ждет художника. Излюбленный, часто варьируемый в других полотнах Никича мотив сочетания струящихся складок ткани со строгими очертаниями подрамника компонуется в вертикальный формат холста. Высокий стакан, бутылка и прислоненная к стене палитра дополняют это вертикальное движение, а горизонтальная планка подрамника и плоскость стола своим «пересечением» еще острее его подчеркивают. В эту четкую конструкцию вертикалей и горизонталей пластично вписываются округлые формы сковороды и головок чеснока. Характерно решение пространства картинной плоскости, от переднего к дальнему плану оно сознательно ограничено; здесь нет прорыва в глубину, все как бы придвинуто к зрителю. Нет подробностей лепки объемов, однако наглядно ощутима материальная весомость предметов благодаря выразительности цветовых соотношений больших масс, обобщенным силуэтом форм. Таким образом, особенности композиции картины, плотность цветовых планов и монолитность в трактовке форм придают сравнительно небольшому по размеру полотну монументальное звучание. 
С каким свежим чувством написан натюрморт Н. Удальцовой «Лук в миске». С чувственной силой и неподдельным ощущением прекрасного написан ею незамысловатый натурный мотив. 
В школах и студиях часто встречаются так называемые «учебные постановки» с привычным набором глиняных кринок, кувшинов, свисающих тряпок, плодов. Такие постановки в большинстве случаев носят формальный характер, и это сказывается на процессе работы учащихся. 
В произведениях самодеятельных художников, увлеченных творчеством, есть очень интересные работы, в которых образно раскрываются темы труда, быт, круг интересов и представления о красоте предметного мира. В таких работах подкупают и заражают их искренность, непосредственность и самобытность формы решения. 
Совершая путешествие в «страну натюрморта», можно заметить, что этот жанр отличается своеобразными принципами. Прежде всего тем, что «натура» его создается самим художником. Он обдуманно выбирает вещи, группирует их и тем самым организует сюжет, являющийся как бы «фундаментом» для построения всего «здания» художественного образа. Как творение художника натюрморт может быть парадным или интимным, лиричным или декоративным, «тихим» или «громким». Художник рассказывает о чем-то памятных вещах, любуется красотой сочетания их форм и цвета, передает характерные приметы времени, экспериментирует, ищет новые выразительные средства языка живописи или графики. И мастерство заключается не только в умении изобразить разные предметы. Натюрморт становится произведением искусства, если художник видит его сюжет, особенности композиции, формы, цветовую гамму как единое пластическое явление. 
Здесь мы встречаемся с разнообразными трактовками одних и тех же мотивов. Под кистью разных художников цветы или плоды, привычные предметы быта и труда приобретают различное толкование. Творческий диалог человека и натуры всегда заключает в себе отношение художника, его индивидуальные ассоциации, привязанности, представления о красоте. Поэтому содержание картины-натюрморта раскрывается не только внешней темой, но и особенностями изобразительных средств, избранных художником. Композиционная организация картинной плоскости, цветовые отношения (или отношения линий и тона в графике), характер изображения форм, детали, фактура красочного слоя — все это определяет общее воздействие работы на зрителя. 
Натюрморт — это, по словам К. Петрова-Водкина, «одна из острых бесед живописца с натурой... Каков есть предмет, где он и где я, воспринимающий этот предмет, в этом основное требование натюрморта. И в этом большая познавательная радость, воспринимаемая от натюрморта зрителем» (3). В этом высказывании важно отметить мысль о том, что натура не сразу открывается художнику, что она способна «возражать» ему, «спорить» с ним. И если «беседа» с натурой, принимающая подчас «острые» формы диалога или спора, становится по-новому содержательной и для зрителя, то это свидетельство удачи художника.

1. В. Н. Лазарев. Шарден. М., 1947, с. 16.

2. Д ж о н Р е в а л д. Постимпрессионизм. 
«Искусство», 1962, с. 21. 
3. Мастера искусства об искусстве. М., «Искусство», т. 7, с. 443.

 

Категория: История искусств | Добавил: vellas (08.02.2017)
Просмотров: 183 | Рейтинг: 0.0/0
Всего комментариев: 0
avatar